在上海视觉艺术学院，张少俊的《传承的魅力》是一门总是在“移动”的课。它的边界难以划定——可能从画室中一幅墨迹的讨论开始，随即延伸至泗泾古镇的塔下；也可能在剖析完博物馆的展品后，带着疑问扎进上海清晨的里弄。对他而言，真正的课堂，永远在理论与真实世界的交汇处。
于是，在老街的安方塔下，他会让学生触摸阴凉的砖墙，去感受纹理中的时间。然而，泗泾的塔影与老墙，终究只是理解他的第一扇窗。当视线转回那间堆满作品的工作室，一个更为人熟知的身份便清晰起来：他是作品被多国美术馆收藏的视觉艺术家与设计师。对他而言，教学现场的“引”与艺术创作的“创”，实为一体两面的同一种呼吸——在田野与传统中深深吸入，在画纸与当代生活中徐徐呼出。
“非日常”的觉醒
“我们总被日常框住，而创意，就是创造一点‘非日常’。”张少俊常说。他的工作室便是一个被刻意打破界限的“暧昧空间”，书籍、画具与茶器自由摆放，富有生命力的创意，往往诞生于不同状态的意外交汇处。
他将这一哲学带入课堂，坚信知识的生命力在于体验。他曾带着学生，在弄堂口买上大饼油条，边吃边逛。氤氲的蒸汽、煎炸的声响、邻里的吴语，都成了教材。“文化的味道是复合的，”张少俊说，“你得用舌头尝，用耳朵听。”
在他的《中国哲学和视觉文化》课上，“风水”不再是玄妙的术语，而是关于空间、光影与人如何和谐共处的智慧，学生们能对着校园建筑，实地品评一番。
在碰撞中找到自己的声音
张少俊艺术实践的“根”，源于五岁时祖母握着他的手写下的第一笔。笔锋的提按转合，是东方美学给他最初的铭刻。然而，他艺术与思想的 “筋骨”，却成型于一次勇敢的离岸。
学生时代的张少俊
上世纪80年代末，在身边人纷纷奔赴欧美时，张少俊因两本日本画册改变了航向。在多摩美术大学，他目睹了日本设计界对汉字“自然的、原生态的美”的挚爱。恩师田中一光从汉字宋体中淬炼出个人“光体”的实践，尤其是那句“要碰撞，要剥离”的告诫，成为他终生的信条。他领悟到，真正的传承，需要带着自身文化的基因，勇敢地与世界撞击。
张少俊和著名设计大师田中一光
他热衷于在画纸上进行一种“越界”的尝试：让书法用笔的含蓄控制，与西方抽象表现中奔放的肢体表达相互叩问。在这种主动营造的对话里，每一笔都是两种力量协商的结果，不仅塑造形象，更透露出作画时手腕的力道、速度和即兴的情绪，使画面本身成为文化交流的现场。
对于画面的整体结构，他追求一种东西方都能心领神会的和谐。以《八骏图》为例，画中笔触的疏密与布局，构成了一种富有韵律、令人舒适的视觉秩序。这种秩序感呼应了树叶脉络或海浪节奏中广泛存在的黄金比例，使其作品能凭借与自然相通的形式美感，引发跨文化的直观共鸣。
他将这种跨文化的视野，自然地带入了与学生的对话中。他会在讲解宋代山水的“空灵”时，引入一幅西方风景画，与学生探讨两种视角下“自然”与“空间”的异同；也会从书法的一笔一划出发，引申至现代建筑的设计，让学生们惊喜地发现：贯穿于不同艺术形式之间的，是一种关于节奏、气息与生命力的共通语言。
当文化在土壤中发芽
张少俊的文化实践，不止于校园与画室。他积极地将专业能力应用于更广阔的社会场域，其中最典型的便是主持上海泗泾古镇的品牌重建项目。它系统性地融合了他的双重身份：作为教育者，他带领学生进行田野调查，记录工艺和历史；作为艺术家与设计师，他主导整体的文化梳理与视觉转化。
2019年呈现的《泗泾之纹》课程展览，便是这一过程的结晶，它本身也成为一个生动的教学案例，向学生展示传统文化如何在当代公共空间中实现活化。
同样，他与“字在”这类文化品牌的共鸣与合作，也折射出其文化实践的另一个重要面向。将“活字”从历史标本转化为可触碰、可使用的当代设计，为厚重历史注入了轻盈的当代呼吸，让它自然落脚于普通人的生活场景之中，深合其“文化日常中的非日常”理念。
持续的对话
如果说社会项目是双身份实践的 “练兵场”，那么创作与教学的持续对话，则是这场 “摆渡” 的核心动力。
画室中的笔，为课堂的言说提供了思想的锋刃；而课堂内外的每一次鲜活提问与碰撞，又为他个人的艺术探索注入源头活水。他必须与精力旺盛的学生、锐意进取的年轻创作者以及不懈探索的同代人保持对话与切磋。这份倒逼自己向前的压力，恰是思维不致钝化的磨刀石。
因此，他所实践的“传承”，从来不是单向的输出。在传统与现代、技艺与思想之间搭建桥梁的过程，本身也是他不断被塑造、被丰富的旅程。他引导着学生，而学生们的疑问与时代的挑战，也同样在雕塑着他。
这或许才是“摆渡”的真谛：在引渡他人时，自己的生命航道也随之拓宽。
网站编辑：沐宸
